Dans un environnement social et culturel en évolution rapide, l'art numérique devient l'un des genres les plus importants d'expression culturelle et d'innovation. L'été dernier, nous pouvions observer le chef-d'œuvre en feuille d'or de Gustav Klimt,"The Kiss". Un chef d'oeuvre captivant devant lequel tous les spectateurs restés figés. Toutefois, la bulle d'étonnement a rapidement éclaté.
La vue d'une des têtes d'un amant dans la pièce de Klimt a été bloquée en raison d'un énorme iPad tenu haut par un autre touriste. Les spectateurs ont enregistré frénétiquement leur expérience du chef-d'œuvre sur des appareils portables. Les bosses aux épaules et les coups de bâton poussaient les spectateurs à l'arrière de la foule. Pourquoi ne comprenaient ils pas que le génie dont ils étaient témoins en personne ne pouvait pas être capturé par un smartphone? L'occasion de s'interroger sur l'Art dans un monde technologique ?
L'art change avec la société, la découverte et la technologie.
Ce n'est pas nouveau. Pendant le mouvement impressionniste, la technologie et la science signifiaient que les paysans parisiens pouvaient devenir révolutionnaires.
Des inventions comme les chevalets portatifs et la couleur synthétique ont eu un impact majeur sur des artistes comme Monet et Renoir. Ils pouvaient maintenant peindre l'extérieur et capter la lumière naturelle comme jamais auparavant. La théorie des couleurs a été développée. Cela a forcé les artistes à penser plus scientifiquement à leur travail. Soudainement, les artistes ont aussi dû rivaliser avec les caméras, qui à l'époque constituaient une menace pour l'art traditionnel.
C'est assez ironique quand on avance rapidement vers aujourd'hui alors que nous ressentons constamment le besoin d'utiliser des caméras pour capturer l'art.
Aujourd'hui, les médias sociaux et Internet ont fourni aux artistes un public inépuisable pour partager leurs idées et leurs créations.
Ces changements incroyables ont permis à n'importe qui de participer à l'art. Qui plus est, le terrain de jeu a été nivelé et le succès artistique est possible pour tous ceux qui ont un smartphone à portée de main.
Les médias sociaux habilitent les artistes
La collision de l'art et de la technologie a donné du pouvoir à l'artiste et au public. Les artistes peuvent exposer leur travail à un public mondial en cliquant simplement sur "partager" sur n'importe quelle plateforme de médias sociaux.
Grâce aux médias sociaux, les artistes peuvent transcender les frontières culturelles, géographiques et sociales. Les voies traditionnelles du succès ont été remodelées grâce à Internet.
Déménager dans des centres culturels comme New York ou Londres pour se mêler à des galeristes et des conservateurs renommés n'est pas une option pour la plupart des gens, et ce n'est plus nécessaire. L'art numérique peut gagner de la friction en ligne et générer d'énormes audiences de partout dans le monde.
En 2011, une exposition virtuelle a été organisée par Groundswell au Musée de la Monnaie à Paris. "Art et Argent, liaisons dangereuses ".
L'événement numérique offrait aux visiteurs la possibilité de réfléchir sur l'argent. Les artistes dépeignent souvent l'argent - qu'ils soient critiques ou adorateurs, provocateurs ou subversifs. Sébastien Gokalp, commissaire de l'exposition, s'est concentré sur le lien étroit entre l'art et l'argent, puisque la production artistique dépend des mécènes, des collectionneurs et des autres qui investissent dans le marché de l'art "tant pour le plaisir qu'elle procure que pour les rendements parfois fabuleux".
Selon Gokalp,"aujourd'hui, l'économie est à l'art ce que le nu était à l'ère classique, ou le paysage aux impressionnistes." Certains des plus grands artistes du monde ont abordé le sujet, dont Marcel Duchamps, Yves Klein, Sophie Calle, Tracey Emin, Joseph Beuys et Richard Prince.
Sur le site, six galeries d'exposition traitaient de six thèmes:"Fascination";"J'achète, je vends";"Flux";"L'art corrompt l'argent";"Modèles capitalistes" et "Galerie du marché". Une septième galerie présentait la transcription d'une conférence de Sébastien Gokalp, également commissaire de l'exposition "Bernard Lamarche-Vadel, un œil critique" et de "Larry Clark, Kiss the past hello".
Le cas de Youyoi Kusama est un exemple de la façon dont les médias sociaux ont mené au succès. Surnommée par les médias "l'exposition Instagram pour mettre fin à toutes les expositions Instagram", l'exposition de l'artiste japonaise de 88 ans "Infinity Mirrors" l' a lancée sur la scène mondiale.
Bien que Kusama ait commencé "Infinity Mirrors" dans les années 1960, ce n'est que depuis les années 2000 qu'il a acquis une telle traction. Il est intéressant de noter que son succès est en corrélation avec l'essor du smartphone.
Infinity Rooms'offre six salles interactives allant des chambres pleines de citrouilles à pois lumineuses aux vastes installations multimédias. La chance d'être plongé dans ces illusions de l'espace infini a attiré des foules de chercheurs égoïstes, faisant de l'exposition le ticket le plus chaud de la ville.
Dès le tout premier jour,"Infinity Rooms" a frappé le Broad Museum de LA, et tous les jours à venir, l'exposition s'est soldée par la vente de 50 000 billets dans l'heure qui a suivi leur mise en vente. Le hashtag' #infinitekusama', est apparu sur plus de 35 millions de comptes Instagram et Twitter depuis l'ouverture de l'exposition.
L'analyse du Selfie
Si la motivation derrière le regard d'une œuvre d'art est l'engouement pour soi-même, est-ce une menace pour l'art ? Lorsque cette question a été posée à l'artiste elle-même et au commissaire de l'exposition, ils ont tous deux répondu positivement.
Il est vrai que le caractère "prêt à l'emploi" de l'exposition a contribué à sa popularité. Cependant, l'idée de "l'égoïsme" alimente la pensée qui sous-tend les œuvres d'art.
L'une des principales caractéristiques de l'exposition est un motif répété à pois, que l'on retrouve dans la "Salle de l'oblitération". La fascination de l'artiste pour ce motif répété exprime sa façon de se voir. Comme la plupart des gens, Kusama se considère comme un point parmi des millions d'autres points dans l'univers.
Lorsqu'un spectateur prend un selfie dans la "salle d'oblitération", il se nourrit en quelque sorte de cette idée. L'impulsion de partager un selfie en ligne déclenche la répétition infinie d'une image de soi; une autre idée qui a été au cœur du travail de l'artiste.
Le partage de selfies online ne reflète pas seulement ce concept clé mais forge aussi une expérience commune du travail en ligne. Le spectateur s'engage personnellement dans l'art et transforme cette expérience en une expérience communautaire en affichant son selfie en ligne.
Tout comme les "miroirs de l'Infinité" expriment combien nous sommes un sur un million, mais que nous vivons cela ensemble, il en va de même pour les selfies. Dans ce cas, vous pourriez soutenir que la popularité des médias sociaux a rehaussé les thèmes clés de l'œuvre. Ce n'est là qu'un exemple du résultat de l'interaction de l'art et de la technologie.
D'autre part, depuis les débuts de l'exposition à Washington, les smartphones ont été bannis des'Infinity Rooms'. C'était dû au fait qu'un visiteur a écrasé une citrouille lumineuse alors qu'il était prétendument tombé dessus en essayant de prendre un égoïsme. Ainsi, le concept de musée selfies reste ouvert au débat.
Les artistes ont le pouvoir de se vendre. Pour beaucoup, leur fil d'alimentation Instagram devient leur propre exposition soigneusement conservée.
De nos jours, plus vous recevez de fans et d'adeptes en ligne, plus vous risquez d'être découvert.
Cependant, est-ce que c'est la nécessité de créer une marque Instagram ou une marque "esthétique" qui influence l'expression artistique?
On pourrait soutenir que les artistes sont motivés à créer des œuvres d'art attrayantes en ligne. De plus, les institutions artistiques pourraient être motivées à promouvoir des œuvres d'art qui ont une belle apparence en ligne plutôt que des œuvres qui pourraient être plus puissantes en personne.
L'expression artistique est-elle littéralement et figurativement enfermée par Instagram?
Les artistes pourraient être poussés à essayer de faire de l'art qui s'insère dans de petites places sur un fil d'actualité. Par exemple, les images à motifs répétitifs sont plus attrayantes et attirent davantage l'attention des parchemins et génèrent plus d'appétits.
Ou encore, les artistes seront-ils maintenant plus motivés à ne produire que des œuvres spécifiquement conçues pour bien se présenter en deux dimensions? Cela pourrait menacer un nouvel art. La réflexion et les concepts qui sous-tendent leurs créations sont coupés pour s'intégrer dans une légende ou un tweet. Après tout, l'art est plus que des images et ne peut pas être aplati pour être affiché en ligne.
Cette idée a été portée à un niveau supérieur par l'introduction de musées spécialement conçus pour offrir aux visiteurs des environnements d'exception.
La technologie peut rendre l'art plus accessible
Tout le monde ne peut pas vivre à portée du Louvre ou du MOMA, mais la technologie y contribue.
Par exemple, la plateforme Arts & Culture de Google a permis d'accéder à des œuvres d'art du monde entier sur votre téléphone portable ou ordinateur portable. Vous pouvez explorer des milliers de musées et d'objets en haute définition. La diversité du contenu disponible couvre non seulement le globe, mais aussi les âges.